5
(1)

Ампир в искусстве XIX века

К началу XIX века классицизм все еще оставался главным стилем, пропагандировавшим величие Французской империи. Это последний этап, который называется ампиром — то есть «стилем империи» Он сохранил все черты классицизма, но стал более помпезным и официальным. Прославление императора и его власти становится важнейшей темой в живописи. Крайне значительны параллели С Древним Римом, и парадные портреты Наполеона обязательно содержат отсылки к образам римских императоров.

Например, у Франсуа Жерара в «Портрете Наполеона в коронационной одежде» на голове у императора лавровый венок и маршальский жезл. Роскошные драпировки, величественный вид монарха, обилие золота — все это характерные черты парадного портрета стиля ампир.

«Портрет мадам Рекамье» работы Давида — минималистичны, сдержанный, но вместе с тем подчёркивающий грацию и красоту молодой советской дамы, одной из самых образованных и привлекательных в Париже. Интерьер, в котором находится героиня, крайне аскетичен, однако, в нем есть характерные для ампира черты. Кушетка, на которой элегантно расположилась мадам Рекамье — очень популярный предмет ампирного строгого интерьера. Платье соответствует моде. Силуэт напоминает античные женские статуи, задрапированные в пеплосы и хитроны. Этому способствует завышенная талия и отсутствие кринолина. Прическа также напоминает греческую, волосы забраны в тугой пучок и украшены лентами. Эти детали весьма характерны для женского портрета той эпохи.

Однако слишком долго господствовавший в искусстве классицизм и ампир как его заключительная стадия перестали быть определяющими стилями.

К началу XIX века в искусстве Германии, Англии, Франции и других стран происходит формирование нового общеевропейского направления в живописи — романтизма.

Романтизм в искусстве XIX века

Романтизм сменяет классицизм и ампир под влиянием Французской революции 1789 года. Героем нового искусства становится особенный, не похожий на других человек, противопоставляющий себя всему миру. Поэтому в искусстве романтизма XIX века будут важны особенные герои и захватывающие сюжеты.

Основным открытием и главной идеей романтизма стала возможность человека чувствовать Если классицизм делал основной упор на разум, теперь именно чувства делают человека человеком и формируют его личность. Чувства могут быть не только положительными — например, на картине «Плот Медузы» мы видим людей перед лицом смерти, испытывающих моральные и физические страдания, изнемогающих от голода и жажды. При этом романизму не свойственна реалистичность, он приукрашивает реальность, делая ее более возвышенной.

Картина Теодора Жерико «Плот Медузы» затрагивает тему сильных чувств и исключительных событий, а также тему борьбы со стихией — одну из важнейших в романтизме. Произведение написано по следам реальных событий, произошедших за три года до создания картины. В центре огромного полотна находится плот, на котором размещены человеческие фигуры. Мы видим среди героев мертвых и живых, находящихся в отчаянии, тоске и ужасе. При этом несмотря на переживаемые мучения, фигуры героев красивы и атлетичны — романтизму не свойствен чрезмерный натурализм. На первом плане слева над телом мертвого юноши сидит старик. Он смотрит в никуда, не реагируя на крики тех, кто увидел на горизонте корабль. Это отец, увидевший смерь своего сына, — прием контраста широко используется романтиками. Пейзаж а втором плане — безбрежное море с бушующими волнами — отражает состояние безысходности и опасности. Французских живописцев особенно интересовали смелость, отвага, бесстрашие и готовность идти на риск.

Эжен Делакруа в картине «Свобода, ведущая народ» воспевает именно эти качества. В его аллегорической работе, связанной с революционными событиями 1830 года, на первом плане изображена женщина с флагом в руке. Ведя за собой народ, женщина олицетворяет решительность и бесстрашие революционеров перед лицом смерти — об этом пугающем, но возможном исходе напоминают трупы под ногами героев.

Пейзаж в романтизме XIX века перестает быть фоном для сюжета: теперь он отражает движения души героев. Он становится более значимым, настраивает человека на определенный лад, может быть героем сам по себе. Созерцание природы в искусстве романтизма способствует погружению в глубины собственной души и в тайны мироздания. Отдельный интерес вызывают исключительные состояния природы — закат, рассвет, туман и так далее. Кроме того, появляются мрачные пейзажи с развалинами старинных зданий — это, с одной стороны, знак зародившегося интереса к истории, а с другой — способ создать так любимый романтиками захватывающий сюжет.

Каспар Давид Фридрих изображает героев, повернутых к зрителю спиной. Однако вместе с ними мы устремляем взгляд в бесконечный простор моря или гор. Пейзажи Фридриха идеализированы, в них подчеркивается только то, что способно настроить человека на лирический лад, вдохновить его. Поэтому художник выбирает наиболее привлекательные и исключительные виды и особые состояния природы- закат, рассвет, туман, ночь.

В романтизме XIX века приобретает ценность все, что способно разбудить фантазию — тайны, странности, загадки. «Аббатство в дубовом лесу» Фридриха настраивает на мистический лад. В затемненном низу картины видны кладбищенские кресты, над которыми возвышаются сухие деревья и массивные развалины готической церкви. Любовь и интерес к готике, средневековью и прошлому тоже возникает именно у романтиков. Виды средневековых развалин увлекали, способствовали уединенным размышлениям, казались страшными и порождали фантастические, а значит, захватывающие, исключительные сюжеты.

Также направление романтизма XIX века открывает две новые темы, которых раньше не было в искусстве. Это тема творческой личности и тема детства Творческая личность — любимый герой немецких романтиков. Такой герой становится идеальным отражением романтического мироустройства: его сознание проникает в области, не доступные обывателю.

Кроме того в искусстве XIX веке впервые возникает тема детства как особого времени человеческой жизни. Раньше дети изображались в картине, если этого требовал сюжет или жанр, например, сцены с младенцем Иисусом или парадные портреты наследников престола. Теперь ребенок — особый герой, способный чувствовать и понимать мир глубже, чем взрослый. Кроме того, ребенок — это воплощение искренности и чистоты чувств, что так ценилось романтиками.

Отто Рунге. Маленькая Пертес. Веймарский замок, Германия.

Романтизм оставался ведущим направлением в искусстве в течение первой трети XIX века. Он навсегда изменил отношение к художнику и вообще творческой личности, подарил миру десятки героев, сделал популярным сказочные и фольклорные сюжеты в живописи и литературе, по-новому показал историю. Однако к 30-м годам XIX века в искусстве усилились реалистические тенденции.

Реализм в искусстве XIX века

Реализм — это течение, целью которого стало отображение обыденной жизни во всех ее проявлениях. Оформившись в XIX веке, оно служило своего рода протестом против общепринятых живописных норм академизма, салонной живописи, идеализации и эстетизации героев, служащей для увеличения продаж картин.

Главными темами релиствов стала жизнь простых людей — крестьян, рабочих, горожан среднего достатка. Отдельным напралением танет критика общественной морали и политической жизни.

Один из главных мастеров-реалистов — Оноре Домье. Его главной задачей была критика политического строя. В частности, в картине «Гаргантюа» он изображает монарха в сатирическом образе. Кроме того в его картинах часто можно увидеть неприглядную сторону реальности.

Оноре Донье. Гаргантюа. Национальная библиотека Франции, Париж.

Также крупным художником-реалистом считается Гюстав Курбе. Героями его масштабной картины «Похороны в Орнане» становятся обычные жители, здесь нет никакого выдающегося события — смысл этого полотна в том, чтобы максимально точно и детально изобразить обыденную жизнь. С точки зрения академической живописи эта картина не имеет ни малейшего смысла. На полотне размером более чем три на шесть с половиной метров изображена огромная толпа. Это обычные жители небольшого французского города Орнана. Действие происходит на кладбище, где хоронят одного из жителей — мало что может быть более повседневным и неинтересным, однако это и есть обычная жизнь. Мы видим множество типажей — священнослужители, мужчины и женщины в черном, пожилые дамы в белых чепцах. Лица портретны, большинство из них детально прописаны.

Гюстав Курбе. Похороны в Орнане. Музей Орсе, Париж.

Группа художников искусства XIX века, уделявших особое внимание пейзажу, получила название барбизонцев — от деревушки Барбизон. В то время среди художников было популярным покидать шумные города, чтобы обратиться к природе. Самый известный из барбизонцев, Жан-Франсуа Милле, темой для картин выбрал крестьянский быт. Его крестьянки и пастушки не имеют ничего общего с пасторалью — это глубокие образы, говорящие о проблемах и тяготах крестьянского труда.

Жан-Франсуа Милле. Сборщицы колосьев. Музей Орсе, Париж.

Барбизонцы — это первые в истории художники XIX века, которые писали природу с натуры на открытом воздухе. Этому способствовало изобретение тюбиков с масляной краской — теперь можно было не опасаться, что краска засохнет. Кроме того, благодаря этому живописцы стали уделять больше внимания цветам, а не контурам предметов чтобы точнее передать воздух и цвет.

Всматриваясь в природу глазами, работая на воздухе, художники по-новому взглянули на мир и на задачи искусства. Это повлияло на возникновение нового течения в живописи — импрессионизма.

Импрессионизм в искусстве XIX века

Предпосылки импрессионизма.

В Париже 1863 и 1865 годах XIX века были впервые выставлены две крайне скандальные картины: «Завтрак на траве» и «Олимпия» Эдуарда Мане. В картине «Завтрак на траве» две обнаженные дамы проводят время в компании мужчин, одетых по моде 60-х годов XIX века. В таком контексте героини превратились из нимф в обычных женщин, к тому же раздетых в присутствии людей противоположного пола — это и вызвало у зрителей возмущение.

Не менее возмутительной оказалась «Олимпия», где по- новому зазвучал один из самых традиционных живописных образов — античной Венеры, но в его героине зрители отказались видеть Венеру. Что неудивительно — девушка изображена в узнаваемом интерьере борделя, на белой постели, на ногах у нее модные в то время тапочки на небольшом каблуке, а ее глаза без всякого смущения смотрят на зрителя (это считалось особенно неприличным). Созданный Мане образ принципиально отличается от всех предыдущих в искусстве. Для наблюдателя героиня выглядит не античной богиней, а обыкновенной женщиной, живущей здесь и сейчас.

Официально импрессионизм существовал с 1874 по 1886 годы XIX века , когда представители течения регулярно демонстрировали свои картины на выставках. Название возникло благодаря критику Луи Леруа, который в насмешку назвал художников «впечатлистами», или «впечатленцами». Но это оказалось довольно точным определением — именно впечатление, мимолетный взгляд на мир они и хотели передать Чтобы добиться такого эффекта, они отказались от подробной проработки деталей и правильной уравновешенной композиции. Кроме того, импрессионисты первыми начали писать с натуры — до этого художники работали в студии, а на пленэре делались только наброски.

«Фруктовый сад в Понтуазе» Камиля Писсаро отлично демонстрирует один из приемов, создающих иллюзию движения, трепетность воздуха. Этот прием — обилие белого цвета, положенного на холст мелкими хаотичными мазками и как бы пронизывающего все, что есть в картине.

А в «Прогулке» Клода Моне мы видим обратный эффект — зной летнего дня и ветерок, играющий волосами и складками платья дамы. При этом черты ее лица едва различимы, вдобавок, его закрывают трепещущие на ветру ленты шляпки — все в движении, и краткость мига здесь передана весьма убедительно. Тень от фигуры женщины падает на траву, сочность зелени которой подчеркивается вкраплением красных мазков.

Импрессионизм XIX века- это попытка передать на холсте то, что видит глаз. Поэтому существуют целые серии картин, такие как «Руанский собор» Моне, где показан один и тот же объект в разное время дня — чтобы продемонстрировать, насколько изменчивы краски, которые мы видим перед глазами и как это формирует общее впечатление от одного и того же объекта.

Импрессионизм XIX века справедливо будет назвать явлением, подводящим итог классическому искусству. Это то, что заставило живопись и другие виды искусства обратиться к новым целям, смелым экспериментам, свободе самовыражения. Поэтому именно с появлением импрессионизма происходит как бы «перезагрузка» искусства. В Европе это становится точкой отсчета для нового серьезного этапа, получившего название модернизма.

Постимпрессионизм в искусстве XIX века

Постимпрессионизм XIX века — это весьма условное название. Оно не обозначает течения с какой-либо общей парадигмой — так называю творчество нескольких художников, которые работали уже после импрессионистов, в последней четверти XIX века.

Поль Сезанн, в противоположность импрессионистам, стремился отобразить устойчивость и монументальность окружающего мира. «Фруктовый сад в Понтуазе» — застывшие безвоздушное пространство, тогда как у импрессионистов оно живое, подвижное, легкое. Картины Сезанна не стремятся отражать действительность. Он всегда четко выстраивает композицию, сочетает в одной картине разные ракурсы и говорит о том, что художник должен писать предметы похожими на геометрические формы. (Этот подход в XIX веке станет основой для кубизма).Пытаясь создать на холсте идеальную «конструкцию», он из раза в раз изображает одни и те же объекты — например, гору святой Виктории.

В его картине «Фруктовый сад в Понтуазе», вариант которой мы видели и у Писсаро, пространство кажется застывшим и безвоздушным. Вместо быстрых мелких мазков на холсте густые и плотные краски, делающие предметы плоскими. Живописная программа Сезанна предполагала глубоко осмысленную компоновку объектов на картине — в ней нет ничего случайного и ненужного.

Художник нередко показывает предметы с разных точек зрения, как в пейзажах, так и в работах других жанров. В пейзаже «Гора Святой Виктории. Вид от карьера Бименю» оранжевые скалы показаны так, словно мы смотрим на них снизу вверх, а гора — будто мы поднялись выше и стоим напротив нее.

Живописцев того времени можно назвать беглецами от цивилизации. Винсент Ван Гог — голландец, который писал картины во Франции. Он увлекался японским искусством, его четкими линиями и яркими красками, но, не имея возможности отправиться в Японию, в поисках яркого цвета поехал в Прованс. Ван Гог использовал цвет субъективно — не для того, чтобы передать реальность, а чтобы выразить свои эмоции и чувства, ею вызванные. Например, желты был для него цветом радости, а красный зачастую цветом тревоги.

Один из созданных им портретов — «Портрет папаши Танги» — представляет нам парижского торговца красками, похожего на японского крестьянина, а также обнаруживает увлечение Ван Гога гравюрами Утагавы Хиросигэ и Кацусики Хокусая. За спиной героя висят многочисленные копии работ этих мастеров в исполнении Ван Гога.

В картине «Ночное кафе» изображена залитая светом комната с красными стенами. Ночная жизнь этого заведения пугала художника, он называл его местом, где можно «пропасть или сойти с ума». Контрастные цвета подчеркивают неуютную и тягостную атмосферу ночного заведения.

Поисками нового яркого цвета и новых образов занимался и Поль Гоген. Для этого он уехал на колонизированный французами Таити, где надеялся найти новый мир, не тронутый цивилизацией. Его картина «Женщина, державшая плод» должна была ассоциироваться с Евой в райском саду. Гоген мечтал вернуться к дикому, первозданному в искусстве, забыть об академических нормах и возвышенных сюжетах, античных идеалах и христианской морали. Он тоже использует цвет субъективно, но не для выражения эмоций, а ради стремления найти максимальную красоту и гармонию. При этом- он легко нарушает привычную логику цвета — море в картине не обязано быть синим, а песок желтым.

Гоген был убежден, что дикие народы, недалеко ушедшие от язычества, гораздо тоньше чувствуют природу, а искусство их искреннее и непосредственное, не затертое академическими условностями. Яркая палитра картин Гогена, написанных на Таити, обнаруживает эту свежесть природы, цвета и созданного художником мира. «Женщина, держащая плод» — символическая вещь.

Жанровая сценка Гогена «У моря», где изображены купающиеся девушки. Остальные детали, кроме фигур плохо различимы. Четкие контуры и яркие цвета — бледно-лиловой внизу картины, плавно перетекающий в сиреневый, вдруг становится почти черным и превращается в бирюзовое море. Картина кажется декоративной, и краски здесь сочетаются друг с другом не ради передачи смысла, но для красоты.

Анри де Тулуз-Лотрек, в отличии от остальных, жил и работал в Париже. Его искусство — легкое и слегка карикатурное, изображает мир кабаре. Без малейшего осуждения Тулуз-Лотрек фиксирует живое, типичное в мире, который видит вокруг. В отличие от других постимпрессионистов Тулуз-Лотрек был графиком, и он продемонстрировал, что передавать настроение и эмоцию может не только цвет, но и линия. В его работах нет богатства оттенков, он равномерно заполняет цветом контуры фигуры. Вдохновившись японскими гравюрами, Лотрек точно так же выбирает неожиданные ракурсы и композиции для своих рисунков.

Афиша «Японский диван» — это минимум красок и минимум действия. Но силуэт дамы, очертания музыкальных инструментов и рук дирижера создают невероятную динамику, несут энергию.

Анри Тулуз-Лотрек. Японский диван. Музей Тулуз-Лотрека, Альби.

Постимпрессионисты XIX века заявили о новых возможностях живописи — форме, цвете, линии, сюжете и образе как отражении внутреннего мира художника. Однако, постимпрессионизм сохраняет прочную связь с модерном — стилем, сформировавшимся в 80-е годы XIX века.

Модерн в искусстве XIX века

Появление модерна XIX века связано с реакцией на стремительный технический прогресс и растущее благосостояние общества. Состоятельные люди начинают активно строить особняки, и это способствует развитию прикладных искусств, благодаря чему художник становится еще и дизайнером, декоратором. Однако технический прогресс — поезда, пароходы и прочие достижения индустриального мира вызывали страх и многими воспринимались как конец привычной размеренной жизни. Поэтому источником вдохновения для художников модерна стала противопоставленная надвигающейся цивилизации хрупкая природа.

В модерне XIX века внимание обращено на изящное, тонкое и беззащитное — все это служит метафорой непрочности мира. Основной мотив модерна — тонкие изогнутые ассиметричные линии, которые одновременно нужны и для красоты, и в качестве символа хрупкости. Декоративность приобретает особое значение, визуальная красота становится достаточным смыслом произведения. В частности, поэтому живопись и графика модерна до сих пор используются в оформлении разных элементов быта.

Основные идеи модерна XIX века были выражены в образе женщины, хрупкой и утонченной. В живописи и литературе появилась новая героиня — роковая женщина, несущая смерть , наподобие Юдифи и Саломеи. Кроме того, в искусстве часто появляются цветы — нежные, с тонким стеблем, такие, как ирис, мак, лилия или нарцисс.

Австрийский художник Франц фон Штук сделал героиней своей картины библейскую Саломею. Ее образ был чрезвычайно популярен в искусстве, наряду с образом Юдифи. По просьбе первой отсекли голову Иоанну Крестителю, вторая сама отрубила голову врагу, желая спасти родной город. Обе были молодыми и привлекательными и обе несли в себе разрушительное начало.

Однако модерн видел в образе женщины не только разрушительные черты. В работах Альфонса Мухи изображены юные, счастливые красавицы. В одном из его рекламных плакатов можно увидеть сразу несколько характерных для модерна приемов. Четко прорисованный контур женского профиля, внутри которого мы видим локальный, без оттенков, нежно-персиковый цвет кожи. Волосы ассиметрично закручиваются, превращаясь в самостоятельный орнамент, и делают изображение декоративным.

Символизм в искусстве XIX века

С эстетикой модерна тесно сплетен возникший в 70-е годы XIX века символизм. Во многом его идеи и художественная программа стали противовесом импрессионизму.

Главными темами символистов были любовь, смерть, красота, женственность — вопросы, важные в целом для конца XIX века. Символисты часто обращались к изображению литературных и мифологических героев, видя в этих образах универсальное, вечное.

Важная во все времена и по-особому осмысленная тема красоты, ее бренности и одновременно вечности — одна из ведущих в символизме. Ее воплощают образы Венеры и других античных героинь, а иногда достаточно предмета, чтобы подтолкнуть зрителя к размышлениям. Ракушка Редона становится символом Венеры, то есть красоты и женственности, а также воды как символа времени.

Одилон Редон. Венера. Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Отразив главное ощущение мира на рубеже веков — хрупкость, непрочность — модерн предсказал одну из самых больших перемен и трагедий — Первую мировую войну. Она и положила конец существованию этого стиля.

Советую так же прочитать статью «Искусство XIII века»

Ссылка на источник: История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения. Под редакцией Алины Аксеновой.

Насколько публикация полезна?

Нажмите на звезду, чтобы оценить!

Средняя оценка 5 / 5. Количество оценок: 1

Оценок пока нет. Поставьте оценку первым.