5
(2)

Проторенессанс, или Предвозрождение

Пока во Франции, Германии, Нидерландах и других странах Европы пламенела готика, оплетая соборы кружевами, поучая при помощи скульптуры развлекая посредством миниатюры, в Италии происходило нечто особенное. Будучи тесно сплетенной с Византией, политически и географически, Италия была связана с ней и культурно. Особенно сильным византийское влияние было в XIII веке, когда многие мастера покидали Константинополь из-за нашествия крестоносцев, занимавшихся грабежами, и перебирались в Италию. В Италии возникает Предвозрождение или (Проторенессанс). В этот период пробуждается интерес к земной жизни и божественные герои обретают человеческие черты. Они начинают проявлять эмоции, их фигуры становятся более живыми, плотными, объемными, уходит византийская схематичность и нарочитая принадлежность к небесному миру.

Джотто совершает революцию в византийском каноне, заменяя золотой фон на синий — цвет неба. Так библейские персонажи окончательно спускаются с небес на землю, и в дальнейшем итальянское искусство продолжает тенденцию изображения реальности.

Если посмотреть на его работу «Мадонна Оньисанти», то на первый взгляд она покажется образом, написанным в соответствии с византийскими правилами. Но, если присмотреться внимательнее, можно заметить реалистично переданные детали. Темно — синие драпировки образуют складки и выделяют объём колен и ног. Белая туника подчеркивает грудь, и Мадонна выглядит женственно. Она ближе к реальности еще и благодаря тому, что младенец Иисус, сидящий на ее коленях, больше похож на живого ребенка, лицом и фигурой, чем на византийских иконах.

Убедительно показаны эмоции в сцене «Оплакивание Христа» Джотто, где на лицах склонившихся над снятым с креста Иисусом выражено страдание. Мария нежно, по- матерински обнимает тело Христа.

В «Возвращении Иоакима к пастухам» можно обратить внимание на героев, по-разному одетых и наделенных разной внешностью. Рядом с пастухами стадо овец. И, хотя пока сложно говорить о точной передаче облика животного, мастер явно стремился изобразить настоящее стадо.

Можно назвать проторенессанс переходным периодом от Средневековья к Возрождению, временем, когда был намечен новый курс искусства и новый вектор развития европейской цивилизации, связанной с осмыслением главной роли человека в мире.

Раннее возрождение. XIV век, или кватроченто («четырехсотые»)

Понятие «Возрождение» появляется в XV веке и означает возвращение итальянцев к культурному прошлому, то есть к античности. Как и в то время, в период Кватроченто в центре мироздания находится человек. В эту эпоху главной ценностью становится человеческая личность — эта философия получает название гуманизма.

В искусстве внимание к человеку и восприятие его как центра мира выражается в изобретении прямой перспективы — мир изображается именно таким, как его видит человек. Сам прием перспективы был разработан Брунеллески, именно он произвел необходимые расчеты. Друг Филиппо Брунеллески, художник Мазаччо, был первым, кто воплотил законы прямой математической перспективы в живописи. Его фреска «Троица» повлияла на дальнейшее развитие искусства. Распятие вписано в архитектурный интерьер, и благодаря этому мы видим, как линии, идущие от нас, стремятся в одну точку.

Мазаччо. Троица. Базилика Санта-Мария-Новелла, Флоренция.

Интерес к человеку влечет за собой появление жанра портрета. Сперва герои на портрете изображены в профиль, вслед за римской и средневековой традицией, но довольно быстро разворачиваются в три четверти — этот ракурс остается основным на несколько последующих веков. Портреты в эпоху кватроченто делают подробными и детальными и изображенные фигуры, и фон залиты ярким светом. Это отражение любопытства художника по отношения к миру и стремления изобразить его максимально подробно.

Портрет — это один из первых светских жанров. Светские сюжеты становятся все более значимы в эту эпоху. При этом в фокусе внимания мастеров — фигуры, пропорции, перспектива и различные ракурсы. Цвет находится на втором плане. Цвета в эпоху кватроченто плотные и тяжелые, им не хватает плавности переходов — это связано как и с плотностью самой краски (использовалась темпера на основе яичного желтка), так и с тем, что мастера не придавали этому особенного значения.

Примером этого может служить картина Якопо Беллини «Мадонна с младенцем и донатором Лионелло Эсте. Чтобы подчеркнут важность Богоматери, донатор изображен стоящим перед ней в молитвенной позе. Он дан в меньшем масштабе и в профиль. Мастер точно фиксирует внешность и подробно прорабатывает детали одежды, не упускает никаких нюансов прически, украшений и прочего. Лицо, фигура и детали одежды освещены равномерно и ярко. Ярким светом залит и пейзаж.

Лицо героя довольно быстро развернулось к зрителю и появился трёхчетвертной портрет, как в картине Боттичелли «Портрет мужчины с медалью Казимо Медичи». Портрет — это новый светский жанр, оформившийся в XIVвеке и продолжающий жить и по сей день.

Живопись становится все более независимой от церкви. В ней появляются античные сюжеты — например, Венера у Боттичелли. Мастера чувствуют себя более свободно, поскольку появляются частные заказы, которые не выставляются на всеобщее обозрение.

Боттичелли ввел в европейское искусство новый образ — Венеру. К средневековому символу женственности и красоты, который олицетворяла Богоматерь, прибавился античный образ богини любви. На картине Венера стыдлива и отрешена от реальности, в которой существует зритель. Боттичелли не сосредоточен на том, чтобы передать реальное живое тело, это образ больше целомудренный и нематериальный, чем телесный.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. Галерея Уффици, Флоренция.

Однако церковь тоже продолжает поставлять заказы, поэтому библейские сюжеты сохраняются — но обретают новые трактовки. В частности, в Венеции начинают помещать античные сюжеты в очень реалистичные и правдоподобно прописанные современные декорации.

В остальной Италии развивается интерес к римской классической архитектуре — обилие архитектурных деталей можно считать одним из ключевых признаков кватроченто. Кроме того, интерес к классической архитектуре — частное проявление интереса к античности. Однако в картинах сохраняются и средневековые черты — в частности, симметрия. При этом также возникает прием изокефалии — изображение всех людей на одном уровне, что выражает их равенство с позиции творчества и познания.

На картинах наблюдается избыток фигур, предметов и деталей. Это связано с тем, что художники получили наконец возможность изображать все, что угодно и поскольку им был интересен мир в любых проявлениях, они стремились охватить сразу все.

Художник Витторе Карпаччо представил сцену Рождества девы Марии как событие, случившееся в венецианском палаццо: повсюду ковры, камины, кровать с балдахином, где лежит мать Марии, Анна. Суетливая служанка несет для нее горячий бульон, в то время как новорожденного младенца собираются купать.

Композиция в картинах эпохи Кватроченто нередко тяготеет к сухости и симметрии. На фреске Пьетро Перуджино «Передача ключей апостолу Петру» мы видим подобную симметрию в расположении фигур и в архитектурном пейзаже. Декоративную цельность первого плана создают герои, выстроенные в одну линию. Их головы расположены на одном уровне, и ноги также стоят на прямой параллельной нижнему краю картины. Это яркий пример изокефалии — в переводе с греческого «равноголовие».

Характерными стремлениями живописцев в эпоху кватроченто можно назвать следующие: эксперименты, расширение творческих возможностей, разговор о внешнем и внутреннем мире человека и его чувствах, интерес к анатомии и натурализму. Эти стремления будут по-новому оформлены в искусстве начала XVI века.

В эпоху Кватроченто по -прежнему остается важной церковная архитектура и рельеф. Однако он приобретает новые черты. На нем мы, как и в живописи, видим множество фигур, перспективу, проработанность деталей, анатомическую точность — в то время как в Средневековье рельеф был простым и без излиеств.

В это же время возникает наряду с архитектурой и скульптура. Она говорит о желании художников рассуждать о независимом, свободном человеке. Для создания скульптуры используется новый материал: более пластичная и податливая бронза. Кроме того, возникает новый образ Давида — не зрелого мужчины, царя и певца псалмов, а юноши, освободившего свой народ. Эта скульптура олицетворяет идею свободы человека и его личности. Также впервые за тысячу лет в искусстве возникает обнаженное красивое человеческое тело. Донателло создал статую Давида, библейского героя, убившего великана Голиафа. Образ этого героя в эпоху Возрождения будет связан с темой свободы.

Так же Донателло обратился к созданию конной статуи впервые с античных времен, чем обозначил преемственность между Ренессансом и античной культурой. Статуя Гаттамелаты существует вне архитектуры, как любой современный городской монумент. Она возвышается на главной площади Падуи. Статуя специально помещена на высокий постамент, чтобы фоном для нее были не здания, а небо. Статуя кондотьера выразительна. Лицо индивидуально, тщательно проработаны его черты, говорящие о волевом характере и несгибаемой внутренней силе военного. Он одет в римские античные доспехи, что напоминает о римских военных доблестях и успехах и подчеркивает положительные черты личности полководца.

Темы гармонии в человеке и мире, поиск идеальной красоты, станут главными в искусстве последующей эпохи — Высокого Возрождения.

Высокое Возрождение

Период, который мы называем Высоким Возрождением, совсем короткий. Он приходится на первую четверть XVIвека, с 1500 по 1527 год. Это период, когда доводятся до совершенства открытия эпохи Кватроченто и делаются новые.

Ключевыми представителями Высокого Возрождение считаются пять художников, которых также называют «титанами Возрождения». Это Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Синти, Джорджо де Кастельфранко и Тициан Вечеллио. Каждый из этих мастеров стремился в своем искусстве выразить идеал человека, как его видел.

Одно из главных открытий в период Выысокого Возрождения — это переход с темперной краски на масляную, более легкую по текстуре и податливую. Это позволяет художникам сильно подвинуться вперед в работе с цветом.

Основной экспериментатор этой эпохи — Леонардо да Винчи. Он создает самое известное произведение мировой живописи — «Портрет госпожи Лизы дель Джоконды». В этой картине впервые появляется прием сфумато — воздушная дымка, которая делает переходы цвета плавными, а лицо героини — загадочным.

Знание законов физики позволило Леонардо совершить открытие, которое наполнило картину воздухом, теплотой и атмосферой, сделало цвета и фигуры в картине согласованными, объединенными между собой. Дама на картине сидит в спокойной естественной позе, глядя прямо в глаза зрителю. Лицо Джоконды не выражает ильных эмоций. Это особенность всех портретов Возрождения, они стремятся показать человека уравновешенным. При этом героиня кажется улыбающейся — но ее улыбка настолько сдержанна и едва уловима, что зритель видит в выражении ее лица загадку. Подобное восприятие образа — результат нового живописного приема, изобретенного Леонардо: сфумато, что по-итальянски означает «дымка».

Будучи теоретиком искусства, художник говорил, что важно вписывать фигуры на картине в правильную геометрическую форму — круг, треугольник или пирамиду. Пример пирамидальной композиции — другая работа Леонардо «Мадонна в скалах». Здесь Мария, Христос, Иоанн и ангел расположены не столько на фоне пейзажа, сколько в самом пейзаже, и удалены от зрителя по-разному. Их фигуры расположены уже на одной горизонтали, как эпоху Кватроченто.

Также Леонардо впервые вводит в живопись психологизм в картине «Тайная вечеря». Зритель видит, что все герои по-разному реагируют на слова Иисуса о предателе — и сам зритель оказывается как бы за одним столом с апостолами, что совершенно иначе, чем раньше, вовлекает его в картину.

Леонардо да Винчи. Тайная вечере. Санта-Мария-делле-Грацие, Милан.

Рафаэль Санти — певец мудрости и рационального начала. Его ключевая работа — фреска «Афинская школа», где идет речь о званиях и о выборе человеком пути овладения ими. Также он переосмысливает жанр автопортрета, закладывая новую традицию, которой в дальнейшем будут следовать многие известные художники. В эту эпоху вообще меняется отношение к художнику: из ремесленника он в общественном представлении становится творцом, обладающим полной свободой.

Фреска, созданная Рафаэлем, — образ мудрости и торжества рациональности. На ней представлены ученые и философы разных взглядов и поколений. Платон и Аристотель, Сократ, Диоген, Пифагор, Евклид и многие другие мудрецы сидят и стоят на ступенях, ведущие в роскошное античное здание. Несколько десятков фигур занимают все пространство фрески. Художник полностью овладел глубиной изображения. Видно, что герои размещены на разных планах. При этом планы согласованы, благодаря правильным расчетам перспективы и масштабам, а также с помощью фигур, которые перемещаются между планами. Еще одна цель 0 создать у зрителя ощущение причастности к этому интеллектуальному пиру, показать, что между ним и огромным залом платоновской академии нет никаких преград.

Рафаэль Санти. Афинская школа. Апостольский дворец, Ватикан.

Всем известно выражение «рафаэлевская Мадонна» — именно при помощи этого образа он осуществлял свой поиск. Для Рафаэля идеал — это женщина: утонченная, нежная, молодая и грациозная, целомудренная, благородная, женщина-мать. Все эти черты воплощены в его Мадоннах.

Рафаэль Санти. Сикстинская Мадонна. Галерея старых мастеров, Дрезден.

Микеланджело — художник, в работах которого отчетливо звучит гражданский пафос и воспевается образ героической личности. Самое важное его творение — это скульптура Давида. Она словно бы ставит точку в разговоре Высокого Возрождения о Человеке — разговоре, который был начат образом того же самого персонажа авторства Данателло. «Давид» работы Микеланджело говорит о красоте, силе, свободе и высшем напряжении воли человека — эти качества в достаточной степени присущи и самим «титанам Возрождения».

Если бы нужно было рассказать о Высоком Возрождении на примере лишь одного произведения, им бы стал «Давид» Микеланджело. Микеланджело изваял пятиметровую статую обнажённого Давида для собора во Флоренции, но когда статуя была готова, ее установили на площади. Давид как библейский герой-освободитель стал символом свободной и независимой Флорентийской республики.

Микеланджело Буонарроти. Давид. Галерея Академия, Флоренция.

Два других художника — Джорджоне и Тициан — принадлежали к венецианской художественной школе. Венецианцам было свойственно особое внимание к миру вещей, к фактурам и точному изображению реальности. Поэтому своих героев они помещают в реальный венецианский интерьер или пейзаж.

Работы Джорджоне (Джорджо да Кастельфранко) — это спокойствие и нега, тихое наслаждение жизнью и единение с природой. Он первым начинает говорить о гармонии человека и природы и считается изобретателем бессюжетной живописи, к которой будут обращаться художники XIX века. В его исполнении впервые появляется образ богини, полностью лишенный мифологических черт: портрет Венеры, который в отсутствие названия выглядит как портрет обычной женщины. Очертания ее фигуры плавные, цвет кожи нежный, чуть бледноватый. Все цвета соединяются очень аккуратно, нет резких переходов цвета, света и тени. В картине практически отсутствует сюжет, событие. Здесь важнее не то, что зритель видит, а чувства, которые вызывает созданный художником образ.

Еще одна загадочная картина, где изображены люди на лоне природы «Сельский концерт». Здесь рядом с одетыми музицирующими мужчинами расположились две обнаженные дамы. Вот уже пять веков ученые пытаются раскрыть смысл этой работы, видя в ней то аллегорию наслаждения, то античный миф. Искусство Джорджоне положило начало бессюжетной живописи. Это картины, созданные для созерцания и для понимания собственных ощущений от увиденного.

Тициан считается ключевым живописцем венецианской школы. Он многое привнес в жанр портрета, наделив его тонким психологизмом, а также создав множество парадный образов. Именно Тициан довел до совершенства работу с цветом. В отличие от работ Джорджоне женские образы у него имеют более чувственный характер и кажутся очень реальными.

Также он разрабатывает тему психологизма, изображает эмоции героев, внутренние страсти, тонкости отношений. Это хорошо демонстрирует портрет папы римского Павла III с внуками — эта картина поразила современников точностью передачи эмоций.

В поздних работах Тициана заметна смена настроений: смелость и уверенность Высокого Возрождения сменяется тревогой и осознанием зыбкости жизни.

Живой и динамичный портрет Папы и его внуков сложно назвать парадным. Слишком активным кажется взаимодействие героев и настроение, царящее на картине. В центре изображен папа римский Павел III. Он стар и сгорблен; поза в которой он сидит, выдает настороженность и подозрительность. Рядом с Папой его внуки: кардинал Алессандро Фернезе и его брат Оттавио. Расположение героев на картине, их позы и взгляды, более чем красноречивы. Подозрительный и хитрый взгляд Папы направлен в сторону наигранно кланяющегося ему Оттавио. Позади стоит Алессандро, и Папа словно бы зажат между двумя персонажами. Между героями нет единения и согласия, наоборот, настроение напряженное. Это напряжение усиливается обилием оттенков красного.

Когда оптимистические настроения и уверенность в завтрашнем дне, убежденность в силе и совершенстве человека сменились тревогой и осознанием зыбкости жизни, искусство начало меняться. Это хорошо видно в картине «Коронование тернием». Здесь уравновешенная правильная композиция Высокого Возрождения сменяется фигурами, расположенными по диагонали, что создает в картине ощущение движения и волнения; динамика усиливается техникой мазка, контуры фигур видны не четко, они кажутся немного смазанными. Мрачный колорит картины передает трагизм, а копья палачей, направленные в разные стороны, превращают порядок Высокого Возрождения в хаос заката эпохи.

Резонируя с этими настроениями в реальности, в искусстве возникает маньеризм.

Насколько публикация полезна?

Нажмите на звезду, чтобы оценить!

Средняя оценка 5 / 5. Количество оценок: 2

Оценок пока нет. Поставьте оценку первым.